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1.避免使用法网剪辑法

很多视频里面会使用一种特定对话剪辑方式：声音与画面完全同步，不存在重叠部分。

常用的方法是：剪A画面—A讲完对白—剪B画面—B讲完—剪回A画面，就这样一直轮流剪辑下去。

剪辑大师沃尔特·默奇（Walter Murch）将这种剪辑方法命名为法网风格剪辑法。但事实上，观众对于声音和画面剪辑不重合的反应更好。

这种音画分离的剪辑方法称为split edits,L-cuts或J-cuts.

我认为这种剪辑方法更贴近现实生活，我们先是听到有人开始说话，然后才抬头去看。或者一个人正在说话，我们会看看我们的朋友的反应。这种剪辑方法更贴近人的自然反应，会使影片更加流畅。

2.舍弃自己喜欢但不适合影片的音乐

许多剪辑师喜欢用自己喜欢的音乐剪辑影片，我说一下我不提倡这种做法的两个原因。

一，一旦人们用自己喜欢的音乐就很难再找到感觉不错的合适配乐。

二，这种音乐会成为你的“精神支柱”。当无趣的场景配上有趣的音乐时，你会更加宽容。

三，当你发现因为音乐和画面不匹配的时候，你会丧失灵感和创作的动力，不知道怎么去剪的更好。

我更愿意剪辑出通过视听合理编排的影片，然后呈现给观众。如果一个场景可以自己站得住脚，那配乐会是锦上添花。如果音乐本身就不太适合你的片子，那就算你的转场在炫酷，也只会让观众感到你在蹩脚的炫技。

3.动作配合

使用演员手势，道具，视线或者走位是剪辑方法之一。

但沃尔特·默奇说，较好的方式是让情绪自然流露，或者剪出流畅的叙事节奏，技术上的剪辑反而是较不需要考虑的。但也绝不可忽略，因为动作不相配会让观众难以入戏。

然而一个编导朋友经常告诉我，“过分注重匹配会束缚剪辑”。如果观众能完全入戏，那他们常常会忽略那些镜头存在的不连续问题。剪辑的职责就是尽量使观众融入剧情之中。

4.用不同的角度进行剪辑

作为剪辑师，去学习一下导演的视听语言没有坏处，我们在后期面对不同角度的镜头，我们知道到导演的用意。

如果导演拍摄了许多不同角度的镜头，不要一直机械的切回到同样角度，或者重读不久前使用的同一系类镜位。

当然，在一个对话场景中只有两个角度，难以避免重复剪辑，但是如果导演根据不同需要不同镜头框架进行拍摄，那不妨通过剪辑体现导演的意图。

5.重点剪辑演员的眼睛

一，演员在电视上、电影中和舞台上都凭脸蛋吸引注意，但较重要的是演员的眼睛。

当剪辑激烈的对话场景时，我都注意演员的眼睛。他们是否传达出适当的情绪？

对戏的演员反应如何？演员的表演决定我的剪辑。这个原则使我更专注于传达对话的主要演员而剪掉其他人的反应。

二，在演员流露情绪的时候，导演都会通过近景去呈现，这也是我们所讲的“近取其神”，眼睛是心灵的窗户，要想更多的体现人物的情绪，除了演员的动作表情之外，作为剪辑师要更加注重景别的作用，在表现人物情绪，外化人物内心的时候可以通过小景别的形式呈现给观众。

6.注重影片的要素：逻辑、节奏、情感。

据说世界上有三种电影：剧本型、拍摄型、剪辑型。

无论你剪辑哪一种类型时，都要高度注意故事脉络，也就是视频本身的逻辑，如果说观众连较基本的逻辑都看不懂，那何谈节奏和情感？不要害怕改变剧本或拍摄内容，只要是有意义为之，可以通过倒叙，插叙等不同的方法，让影片的叙事结构更有趣。

许多剪辑师利用在画面分镜剧本作记录从视觉上呈现出故事情节。这可以帮助你确定以较通顺的逻辑呈现故事给观众。

7.做自己的选择但也要考虑他人

作为剪辑师的职责是形成故事情节把握影片节奏。

较重要的一点是帮助导演达到创造性的视觉效果。但是你也要有自己的想法。大部分剪辑师都是独立完成初剪。这是你在影片中打上鲜明的个人烙印的个机会。

剪掉对话中重复的部分可以使增强画面的紧张感。这传达出一点，即使拍摄完毕剪辑工作也不可怠慢。剪辑师做出的决定可以轻易改变场景传达出的感情，因此任何决定必须服从剧情。

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